NOTICIA

El estreno de "Borat" obligó a Wikipedia a bloquear un artículo

El estreno de la película "Borat" en Estados Unidos la semana pasada, cuyo protagonista es un reportero de Kazajstán, tuvo un éxito arrasador que produjo que montones de ediciones vandálicas se introdujeran en la entrada sobre ese país asiático en la versión en lengua inglesa de la enciclopedia libre, Wikipedia.

Este filme, que se estrenó ayer en nuestras pantallas, trata de un reportero de televisión de Kazajstán, Borat, que hace entrevistas irónicas a distintas personalidades que suelen tomarlo como un periodista real. Es una especie de "Torrente" asiático que los críticos han denominado como racista, sexista, homófobo y antisemita, lo que seguramente ha impulsado a más de uno a acudir a su cine más cercano para corroborar los insultos.

Los creadores ingleses del film deberían estar más que contentos. "Borat" no sólo está el primero en taquilla en Estados Unidos, también bate records en países como Gran Bretaña o Alemania.

Además de esto, la película ha suscitado un fuerte polémica. Uno de los hechos más notables es que en cuanto se lanzó "Borat" en los cines, las autoridades kazajas publicaron artículos en los principales periódicos estadounidenses afirmando que respetan a la mujer, las religiones, etc. para desmentir las afirmacioines del antihéroe en pantalla.

Su popularidad ha llegado hasta tal punto que la gente ha tomado via libre para opinar sobre el país de origen del reportero y miles de cosas más relacionadas con la película. En la enciclopedia libre más famosa de Internet, Wikipedia, aparecieron más de mil entradas "falsas" y "vandálicas" tras el estreno del film. Entradas que llegaron a situar a Borat como presidente de Kazjstán.

Por ello y a raíz del gran número de ediciones falsas, la Wikipedia de lengua inglesa tuvo que bloquear la entrada para que nadie más pudiera editar comentarios caprichosos e injustificados.

Este echo no es nuevo para Wikipedia y esque los problemas con entradas falsas vienen repitiéndose desde hace tiempo.

Esto no es más que un caso más de vandalismo de la információn o desinformación y todos deberíamos andar con ojo.

PELÍCULA

EL ILUSIONISTA (CINES)

Año: 2006

Director: Neil Burger Intérpretes: Edward Norton, Jessica Biel, Paul Giamatti, Rufus Sewell

Hay críticos que aclaman esta película con elogios como "Una de las mejores películas del año" (New York Post) o "Fascinante, hipnotizadora" (Usa Today). Bien pues nada de esto se me vino a mí a la mente al ver semejante aburrimiento de filme.

No es que sea una película extremadamente mala o insoportable ni que los actores sean mediocres. No hay nada en la película que nos diga "dios santo, eso ha sido horrible" pero es el sabor de boca que al final se te queda.

Lo único que se libra son los efectos especiales que hacen parecer a la magia magia. Neil Burger nos aburre constantemente con sus primeros planos, rotos alguna vez por alguna imagen de una casa o una calle vienesa. Y menos mal que aparece algo de la ciudad porque habría sido el colmo que habiendo grabado allí no apareciera nada.

Además de lo cansino que resulta el director, el argumento no es mucho mejor.

Un Edward Norton inexpresivo es la víctima o causante de una trama que pretende sorprender y emocionar, pero lejos queda de conseguirlo. El premiado actor interpreta a Eisenheim, un mago que causa polémica y admiración por parte del pueblo.

Algo de acción y misterio comparten pantalla con el amor, el verdadero protagonista. El amor que juega con los personajes y los hace actuar como lo hacen.

Si un día no hay nada en el cine y el tiempo es tan malo que tenéis que resguardaros de la lluvia invernal (si es que algún día llueve) id a ver la película de Neil Burger. Si no, sería suficiente con que la alquilarais en DVD sin tener que pagar la friolera de los 6 euros de la entrada al cine.

LO MEJOR: Los efectos especiales.

LO PEOR: El director.

TRILOGÍA (se recomienda NO leerlo si no se ha visto la 2a)

REGRESO AL FUTURO III

Director: Robert Zemeckis

Intérpretes: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Mary Steenburgen, Lea Thompson

Año: 1990

En esta tercera entrega el escenario cambia y la acción se convierte en protagonista.

Marty tiene que viajar al oeste, a 1885, para evitar que Buford "perro rabioso" Tannen asesine a Doc.

En un principio el plan de Marty McFly parece sencillo: Ir al oeste con un disfraz de lo más ridículo, hacerse llamar Clint Eastwood, rescatar a Doc, montarse en el DeLorean y todo arreglado. Pero las cosas no son tan fáciles, y menos aún tratándose de la saga de "Regreso al futuro".

El DeLorean, tras tantas idas y venidas, se queda sin gasolina. Un problema sin importancia si te tratara de una época actual pero en 1885 ni la gasolina ni los coches existían.

Marty se ve atrapado en el lejano oeste con un Doc al que le quedan pocos días de vida si no actúan con rapidez.

McFly desiste por un momento, las cosas se ponen feas. El Biff Tannen del pasado (Buford Tannen) no es más amigable que el del presente y parece que no le gustan los pequeñajos respondones y los científicos locos.
Pero el viejo Doc es un auténtico genio y pronto da con una solución. Arriesgada, pero solución al fin y al cabo.

Gracias a la descabellada idea, todo parece ir por su cauce hasta que un nuevo problema aparece en escena: el amor.

El amor se une a la aventura, al humor y a la acción en este film. Marty desespera, Doc sueña, los días pasan y nadie sabe qué les deparará el futuro, o el pasado.

TRILOGÍA:
LO MEJOR: La música. El argumento, Marty y Doc. Frases como "Piensa McFly! Piensa!" o "McFly, eres un gallina" con su respuesta: "Nadie me llama gallina", lo que siempre trae problemas.

LO PEOR: El patinete volador.

HISTORIA DEL CINE

CINE SONORO

1927 es un año clave en la historia del cine, y es que el 6 de octubre de tal año la película The Jazz Singer revolucionará este arte con la incorporación de sonido usando el formato Vitáfono o Vitaphone. Un filme que pasa a la historia por este hecho a pesar de no haber sido la primera película hablada, ya que un año antes otra película, Don Juan, ya había incorporado sonido (efectos especiales y música original).

Se inicia una nueva era para la industria del cine. Los estudios hacen grandes inversiones, los cineastas y técnicos deben cambiar su modo de trabajar. Y los actores tienen que aprender a vocalizar bien. Grandes estrellas del cine mudo desaparecen al conocer el público su verdadera voz, afecta especialmente al cine de terror, y a algún mosntruo al que se le pierde el respeto al una voz chillona que no asusta en absoluto.

La implantacíón del sonoro coincide con el crack económico de 1929 que ocasiona una gran depresión en EEUU. Esto repercute en los temas que se tratarán en las películas, huyendo de los dramas y decantándose por el género fantastico, comedia, musical y cine negro.

Los directores más destacados de la época son John Ford, conocido por sus westerns (La diligencia, 1939); Capra, maestro de la comedia americana (Sucedió una noche, 1934), o Josef von Stenberg, director de Der blaue Engel (1930), protagonizada por Marlene Dietrich.

Aunque no es lo habitual algunos directores optan por un cine más social, como King Vidor (El pan nuestro de cada día, 1934), el alemán G.W. Pabst (Kameradshaft, 1931) o el francés Jean Renoir (La regla del juego, 1939).

Grandes estrellas que se convertirán en mitos proceden del teatro o del musical: Marlene Dietrich, Greta Garbo, Clark Gable, Errol Flynt, Humphrey Bogart...

En España los primeros estudios sonoros, los Orphea, son inaugurados en Barcelona en 1932.

CURIOSIDADES

PORRAZO KEATON

Buster Keaton, uno de los cómicos más conocidos y mejor pagados de los años 20, tenía un contrato que le prohibía reíse en sus películas. Y es que a la gente le hacía gracia ver la cara impasible de Keaton tras un golpe. Cuando Keaton se rio en una película está fue un fracaso, y los productores aprendieron la lección.

Keaton ganaba 2000 dólares a la semana y se llevaba un 25 % de la recaudación de la película, por lo que ganaba más que cualquier estrella de nuestros tiempos. Claro que hacía todas y cada una de sus escenas, aunque fuesen peligrosas (en "El maquinista de la General" se sentó en las ruedas de una locomotora en marcha y en "El héroe del río" la pared de una casa le caía encima con la buena fortuna de estar justo en el hueco de la ventana) ya que la falta de efectos especiales impedía el uso de dobles.

Esto no era un problema para Keaton, hijo de dos actores de vodevil integrados en la compañía del famoso mago Harry Houdini, cuando tan sólo tenía tres años a su madre se le cayó por las escaleras, el pequeño no soltó ni una lágrima y admirados por su resistencia a los golpes lo rebautizaron como "Buster" que significa porrazo. Buster empezó a trabajar con sus padres en un número llamado "La Bayeta Humana". Los padres lanzaban a su hijo por los aires o contra el público y éste no cambiaba ni de expresión. Práctica bastante cruel por parte de sus padres pero gracias a la cual llegaría a la fama.

TRILOGÍA

REGRESO AL FUTURO II

Año: 1989

Director: Robert Zemeckis

Intérpretes:

Micharl J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson

En la primera entrega, cuando Marty vuelve a casa, ve que todo a cambiado para mejor.

Su padre no se deja aplastar por Biff Tannen (quien se ha convertido en su empleado), su madre está delgada, tiene el cochazo de sus sueños... pero casi no tiene tiempo de disfrutar de todo esto porque Doc vuelve en la máquina del tiempo para llevárselo a él y a su novia, Jennifer, al futuro.

En el 2015, el hijo de ambos, Marty Mcfly junior, es un perdedor y va a meterse en un lío muy gordo por culpa del nieto de Biff (todo queda en familia), y Doc quiere impedirlo.

Lo que en un principio inició como una oportunidad para cambiar el futuro se convierte en un desastre de vuelta en 1987 por culpa de un almanaque deportivo.

La vuelta a 1955 para arreglar el desastre por razones que es mejor no desvelar, hace que las idas y venidas de la primera entrega reaparezcan con una dificultad añadida: Marty no puede encontrarse con el Marty de la primera película.

Aventuras y un argumento enloquecedor pero bien hilado hacen de la segunda película la favorita de muchos, lo que le da más sentido al final del largometraje: TO BE CONTINUED...

CLASE

La práctica de ayer consistió en comparar un periódico y una revista superespecializada, sobre videojuegos: Micromanía.

Las diferencias eran claras. Con un vistazo general se apreciaba que la revista era mucho más visual quecualquier periódico (a excepción quizás de la prensa gratuita) plagada de imágenes, jugando con la tipografía y con unos títulos cortos y apelativos.

La portada apenas da información, sólo pretende llamar la atención sobre los contenidos quese tratarán en el interior.

Llama la atención que la propia revista indique claramente cual es el público a quien va dirigida: "la revista de jugadores para jugadores". Esto en un periódico sería impensable, pues aunque en la práctica tenga un público concreto, en teoría está dirigido a todo el mundo.

Pasando a la formas en la que se escribe la información, destacarel modo más infromal de las revistas, que incluso hablar de tú al lector, mostrando así complicidad y cercanía.

Hay numerosos despieces, facilitando la lectura, a esto se le llama periodismo de servicios, y es lo típico en cualquier revista.

Predominan los géneros de noticia y reportaje.

La intención de la revista no es como en un periódico informativa (aunque pueda serlo), es más bien de entretener, aconsejar y sobre todo incitar al consumo (en la Micromanía se aprecia claramente). Por eso es difícil encontrar malas críticas, que harían perder a potenciales anunciantes.

La publicidad en las revistas está relacionada con la temática de la revista, o los gustos de los lectores. El público está muy definido, en el caso de la Micromanía coincidimos en un perfil de varones entre los 15-30 años de edad con gustos por la acción y la velocidad.

TRILOGÍA

REGRESO AL FUTURO I

Director: Robert Zemeckis

Intérpretes: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover.

Año: 1985

Hablaremos hoy de la primera entrega ganadora de un Oscar de la legendaria trilogía de los ochenta que cuenta los viajes al futuro y pasado de Marty McFly (Michael J. Fox).

El argumento principal se basa en que Marty, un chico de 17 años, es amigo de un científico entrañable pero chiflado llamado Doc Brown (Christopher Lloyd), quien inventa una máquina del tiempo aprovechando la vieja carrocería del famoso DeLorean.

Doc le muestra el coche a Marty y éste accidentalmente viaja 30 años atrás en el tiempo, a 1955 y ahí es donde el lío empieza. Sin quererlo, el joven hace que sus padres no se conozcan poniéndo así en peligro su propia existencia.

En un 1955 desconocido para él (en el que se le conoce como Levis Strauss por sus pantalones), Lorraine (su madre, que entonces tenía la edad de Marty) se enamora de él y él trata por todos los medios de alejarla y acercarla a su vez a George McFly, su padre.

Pero así puesto parecería muy fácil y es que hay un "obstáculo" fijo en las tres películas: Biff Tannen. Biff es el "guay" del colegio que pasa sus ratos libres riéndose a costa de George y que quiere que Lorraine sea su pareja en el baile a pesar de que ella lo detesta.

Mientras intenta arreglar el desastre, Marty tiene que encontrar al Doc del pasado para que lo ayude a volver al presente una vez todo vuelva a ser como debería, es decir, Lorraine y George juntos y Biff abusando de su padre hasta el 1985 que él conoce.

Pero no se da cuenta de que cada pequeño cambio en el pasado se verá reflejado en el futuro.

Si aún no habeís visto la trilogía recomiendo que la veáis en seguida. Es una de esas películas que marcaron una época y que sin mayor pretensiones que la de entretener, consigue hacernos pasar un buen rato.

PELÍCULA

Sleepers

Director: Barry Levinson

Intérpretes: Kevin Bacon, Billy Crudup, Robert de Niro, Minnie Driver, Ron Eldard, Vittorio Gassman, Dustin Hoffman, Jason Patric, Joseph Perrino, Brad Pitt, Brad Renfro, Jonathan Tucker, Geofrey Wigdor.

Barry Levinson dirige una gran película basada en la novela autobiográfica de Lorenzo Carcaterra Hijos de la calle.

Verano del 67, cuatro amigos viven en Hell's Kitchen, un barrio obrero del Westsyde de Manhattan. Conviven una mezcla de irlandeses, italianos, puertorriqueños y europeos orientales, pero a pesar de todo es un barrio seguro, ya que los delitos son severamente castigados.

Shakes, Michael, John y Tommy cometerán un error que les enviará al reformatorio Wilkinson y cambiará sus vidas para siempre. Wilkinson será el fin de su infancia, los abusos de los guardas harán de su estancia allí una pesadilla, donde los jóvenes se verán reflejados en el Conde de Montecristo, y soñarán como él en escapar de su cárcel y años después tomarse su venganza.

Una película dura que partiendo de la historia de estos cuatro jóvenes, denuncia también la situación en la que vivía la gente de los suburvios, en una época de cambios y reivindicaciones que poco tenían que ver con la realidad social de las clases bajas: "Un creciente ejército de feministas marchaba por el país exigiendo igualdad. Mientras nuestras madres cocinaban y se encargaban de hombres que las maltrataban mental y físicamente".

Una historia de abusos, venganzas, juicios, corrupción, amistad, amor, promesas... con unas interpretaciones extraordinarias y un plantel de actores de lujo.

PELÍCULA

Mi socio Mickybo y yo (Mickybo & me) (DVD)
2004

Director: Terry Loane

Intérpretes: John Joe McNeill, Niall Wright, Julie Walters, Ciarán Hinds, Adrian Dunbar.

Entrañable y divertidísima película que cuenta la historia de dos niños muy diferentes (Mickybo y Johnjo) en una conflictiva Belfast, Irlanda del Norte, en uno de los años más duros del conflicto, 1970.

Mickybo es católico y Johnjo protestante pero a sus 8 y 9 años no entienden nada de eso.

Mickybo, pelirrojo, es un niño travieso, con muy mala leche y valiente como el sólo mientras que Johnjo se muestra más maduro y precavido.

Tras ver la película de Paul Newman y Robert Reford "Dos hombres y un destino", los dos chavales deciden emular a sus héroes (Butch Cassidy y Sundance Kid) y largarse a Australia. Y si en Australia no les aceptan se irán a Bolivia y sino a cualquier otro sitio que no sea su ciudad natal.

Johnjo (Sundance Kid) se muestra arrepentido desde un principio por haberse escapado de casa pero la energía e inocencia de Mickybo (Butch Cassidy) lo empujan a seguir andando en ese sueño por convertirse en cowboys americanos.

"Mi socio Mickybo y yo" es una historia divertida y bien contada. No es una típica película de niños, de hecho, no es para niños. Los protagonistas son infantes, sí, pero actúan de una manera tan real y convincente que casi parece que les hubieran puesto una cámara oculta y Mickybo no se diera cuenta de que le están grabando y de que se debería portar mejor.

Consciente o inconscientemente, cuando la ves, vuelves a tener 10 años y te ves reflejado en Micky y Johnjo.

Aventuras, diálogos divertidos e inteligentes, tanto momentos graciosos como tristes hacen que esta película verdaderamente valga la pena.

LO MEJOR: Los niños y la historia.

LO PEOR: El doblaje no es malo, es LAMENTABLE.

LIBROS ADAPTADOS AL CINE

INTRODUCCIÓN

No he visto ninguna película basada en un libro que lo superase, pero sí adaptaciones mejores y peores, directores que cuidan la obra y otros que la destrozan. En cualquier caso las ideas originales en el cine cada vez son más escasas, nos encontramos en una etapa en la que todo son remakes, adaptaciones de comics, biografías... y lo que siempre ha habido, novelas adaptadas. ¿Ayuda el cine a las ventas del libro, a no sumirse en el olvido, o solo recoge bestsellers que sabe que van a triunfar? Por desgracia parece que hoy en día los productores apuestan más por libros superventas que por historias de libros menos conocidos, aunque más interesantes y profundos.

No es fácil cambiar la idea preconcebida del público, y es que cada uno imaginamos los personajes y situaciones de una forma. Por no hablar de la extensión de una novela, que debe ser acortada a un par de horas u hora y media. ¿Qué quitar manteniendo la esencia? ¿Cómo hacer más espectacular la película? Que les guste y la comprendan tanto quienes han leído el libro como quienes no. ¿Cómo de fiel hay que ser al libro?

Porque una imagen no vale más que mil palabras, y hay que tener mucha pericia para hacer una buena adaptación y además lograr una película con un buen ritmo.

Con esta nueva sección intentaré cada semana recordar algún buen libro que haya tenido su adaptación al cine, y comentaré lo que ésta me ha parecido, si me ha convencido o desilusionado. La semana que viene por lo tanto comenzaré con Rebeldes, un libro que recomiendo a quién no lo haya leido y adelanto, fue llevado a la gran pantalla por Francis Ford Coppola.

DIRECTOR DE LA SEMANA

KEN LOACH

Alejado del mundo hollywoodiense, sus críticas sociales, su inconformismo, realismo y lucha para cambiar las cosas lo caracterizan, es Ken Loach.

Este polémico director, a la vez aclamado y criticado, nació el 17 de junio de 1936 en Nuneaton, Warwickshire, Inglaterra. En su juventud comenzó a estudiar derecho en Oxford y fue militante troskista hasta que entró en contacto con las artes escénicas, que le fascinaron.

En 1963 pidió una beca en la BBC para iniciar su carrera en el mundo de la dirección. Fue en esos primeros años de aprendizaje cuando su visión del mundo comenzó a coger forma y ser expresada. Comenzó dirigiendo pequeños documentales entre los que destacan “Cathy Come Home” (1966) sobre la pobreza.

La fama le vino de prisa y trabajó tanto en el cine como en la televisión hasta los años 80. Con la llegada de la primera ministra Margaret Thatcher la situación social se encrudeció y entre los enemigos de la “dama de hierro” Loach se presentaba como uno de los más radicales. Sus películas fueron prohibidas por lo que a lo largo de toda la década de los 80 sólo pudo filmar tres películas: Looks and Smiles (1981), Which side are you on? (1984) y Fatherland (1986).

En los años 90, con la desaparición de Thatcher, su carrera dio un vuelco y volvió a demostrar su gran potencial. Hasta el día de hoy ha filmado otras nueve películas, obtenido y se ha mantenido siempre fiel a sus ideales y principios solidarios.

Las películas de Ken Loach crean polémica y es que denuncia y opina contando las historias con sencillez y claridad. Su última película, “El viento que agita la cebada” ha sido criticada por moralistas ingleses que la han denominado como “antibritánica”

(http://www.indymedia.ie/attachments/jun2006/sunindbarleytext.gif ). Nada más lejos de la realidad ya que lo que se muestra es la administración errónea y crueldad del imperio británico en una época pasada.

Ken Loach critica y muestra una realidad que no a todos complace y creo que eso es un punto a favor. Una película es más que una simple historia y en el caso de este director se convierte en una denuncia social que quiere hacernos recapacitar.

Aquellos para los que la libertad de expresión suponga un problema deberían acostumbrase a ello porque el cineasta no descansa y ya está filmando su película número cuarenta y tres: These Times.

MEMORIAL

JONATHAN BRANDIS

Hoy hace tres años que murió Jonathan Brandis. Con tan solo 27 años de edad el actor se suicidó en su apartamento, y murió horas después en un hospital. No dejó ninguna nota y según su madre no había intentado suicidarse antes ni tenía problemas.

El 11 de noviembre del 2003, Jonathan se fue de cena con sus amigos a su apartamento del 650 en Detroit Avenue. Sus amigos dijeron que estaba algo agitado. Salió de la habitación y 15 minutos después al ver que no volvía un amigo fue a buscarlo y lo encontró colgado con una soga de nylon en la segunda planta en el vestíbulo de su edificio. Llamaron a urgencias, pero ya era demasiado tarde. Murió a las 2.45 de la madrugada del domingo día 12 por las lesiones causadas al intentar suicidarse. Un triste final para un actor al que todavía le quedaba mucho que dar.

Jonathan nació el 13 de abril de 1976 en Danbury (Conenecticut). Comenzó a actuar desde muy joven, a los 5 años ya hacía anuncios televisivos y a los 6 participó en la serie de televisión One life to live.

Tras una andadura de ocho años con breves papeles en diferentes series de televisión (Se ha escrito un crimen, L.A. Law...) por fin dio el salto al cine con La historia interminable II, como Bastian, el protagonista del famoso libro de Michael Ende. A sus 14 años Jonathan Brandis ya había tenido su primer papel protagonista. A esta película le seguirán otras de difusión televisiva como Nacida libre: una nueva aventura o Su última oportunidad.

En 1993 conseguiría el papel por el cual es más conocido, Lucas Woleczak, el joven genio del Sea Quest, serie producida por Steven Spielberg y bastante maltratada, a pesar de tener una buena audiencia. Aunque el protagonismo en esta serie era coral, el personaje de Jonathan es el único que sale en todos los capítulos.

Una carrera que hasta el momento parecía muy prometedora se estancará. Después del Sea Quest, que durará hasta 1996, Brandis solo consigue papeles secundarios en películas mediocres: No puedo perderte por algo tan tonto como el sexo o Cabalga con el diablo.

Se presentó al casting para interpretar a Anakyn Skywalker, pero le dieron el papel a Hayden Christensen. Una nueva oportunidad surgiría con La guerra de Hart, el actor pretendía relanzar su carrera con esta película, pero la mayoría de sus escenas fueron eliminadas en el montaje.

Brandis mostró interés por dedicarse a otra áreas del cine, escribió el guión para uno de los capítulos del Sea Quest e incluso hizo sus pinitos como director en una película que no llegaría a ver estrenada: The slainesville boys.

Después de su muerte se han estrenado dos películas más suyas, Puerto Vallarta Squeeze (2004) y A fate totally worse than death (2005).

MEMORIAL

Hoy, domingo, lo dedicaremos en parte a esas personas que nos hicieron disfrutar del cine y que ya no están entre nosotros.
Personas que con su actuación, dirección o ideas hicieron de una película un mundo, una ilusión, una alegría.

JACK WILD, el eterno truhán

Al hablar el otro dia de "Oliver!" me enteré de la muerte del truhán, el pasado dos de marzo de un cáncer de boca.

El éxito le vino pronto a Jack Wild. Nacido en Lancashire, Inglaterra, el 30 de septiembre de 1952, a los 11 años comenzó a probar suerte en audiciones junto a su hermano mayor Arthur.

Con tan sólo 15 años fue nominado al Oscar como mejor actor secundario por su interpretación de el truhán, a lo que siguió una temporada de éxitos que le llegó demasiado temprano.

Participó en diversas películas además de convirtirse en presentador de un programa infantil "H.R. Puf 'n' Stuf" en Estados Unidos, lo que le obligó a dejar Londres para mudarse allí.

A los 16 años Jack ya era una cara conocida, portada de múltiples revistas, protagonista de más de una película (incluída una de Alan Parker: "Melody")... pero ello no lo ayudó a avanzar sino que lo estancó.
A los 18 años le seguían ofreciendo papeles de niño (por su corta estatura y cara de pillo) y su fama se apagó empujándolo a años de depresión y alcoholismo.

Pasada esa triste etapa, reapareció en los 90 participando en numerosos shows y películas entre las que destaca "Robin Hood: Prince of Theives" .

Sin embargo, cuando todo parecía mejorar, la tragedia se apoderó una vez más de su vida. En el 2004, con tan solo 51 años, le diagnosticaron un cáncer de boca que lo llevó a una operación que lo dejó mudo (le extrajeron la lengua y la laringe).

Parecía que la enfermedad ya estaba superada. Con su nueva mujer estaba dispuesto a seguir luchando hasta que el cáncer volvió, acabando con su vida en marzo del 2006 en su casa de Bedfordshire.